Dessinateur et scénariste, graphiste ou encore scénographe, Marc-Antoine Mathieu propose depuis une trentaine d'années une œuvre hautement singulière, qui tient du roman graphique et du théâtre de l'absurde, de la poétique mathématique et de la philosophie du rien. Une arithmétique du dessin au service du signe qui fait sens.

Quand Nietzsche, Beckett, Ionesco, Kafka, Borgès, Devos s'en mêlent sans vergogne : trucs et astuces, farces et attrapes, tours de passe-passe et prestidigitation.

Mathieu avant tout rêve. Mathieu s'interroge, cherche, suggère. Mathieu met en abîme, file la métaphore et l'ellipse. Par son approche très conceptuelle, c'est le regard et la réalité qu'il questionne. Avec sens de l'humour et humour du non-sens. À travers artéfact et avatar, il impose comme un silence dans lequel la forme et l'espace repoussent leurs limites, où la temporalité se libère de la ligne. Les thèmes abordés : le temps et l'espace, leurs dimensions, la mémoire, l'identité, les mathématiques et la logique, la métaphysique, la société de masse et le pouvoir de la communication, etc. Ses moyens : une parfaite maîtrise du noir et blanc et surtout de la mise en scène graphique.

Tout commence avec la création en 1985 de l'atelier Lucie Lom, un atelier de graphisme et de scénographie qui réalise des installations d'expositions pour le festival d'Angoulême (Espagne-Espagne, 1989, Gode Save the Comics, 1990, Moebius/Giraud, 2000), La Villette (Opéra Bulles, 1991), Beaubourg (Ombres et Lumière, 2005), BD à Bastia (Grotte Book, 2011).

Et en 1990, Marc-Antoine Mathieu débarque avec fracas sur le devant de la scène, avec le premier volume des aventures de Julius Corentin Acquefacques, L'Origine, un album déroutant, qui se joue avec malice des codes du neuvième art. Suit rapidement le deuxième de la série, La Qu…, qui figure déjà dans les albums indispensables de l'année 1991. Mais c'est avec le troisième volet, Le Processus, qu'il opère une véritable révolution hélicoïdale, construisant la première spirale en volume de l'histoire du genre. En 1995 paraît le quatrième tome, Le Début de la fin, tout aussi innovant, et en 2003 le cinquième, 2,333e dimension, dans lequel le désormais célèbre héros kafkaien semble avoir perdu le point de fuite ! Sombre perspective. Jusqu'en 2013, après dix ans de silence, quand le sixième volume paraît et Julius disparaît, Le Décalage, comme une déchirure…

Dans le labyrinthe Mathieu, règnent l'inventivité et l'illusionnisme au service de l'imaginaire. Au cœur du système, l'absurde se mêle aux réflexions philosophiques et voisine avec la logique et les concepts mathématiques. La réalité est en pièces, il faut donc reconstruire le puzzle. Refléter l'inconcevable, réfracter, diffracter. Dévoiler un monde autre, en différé.

Dans tous ses albums, Mathieu passe au crible la société occidentale actuelle dans son ensemble et dresse un état des lieux peu reluisant de la pensée contemporaine. Les tracés, les espaces et les vides se suffiraient-ils à eux-mêmes ?

Bibliographie :

• Série « Julius Corentin Acquefaques, prisonnier des rêves », chez Delcourt, 1990-2013 :
1. L'Origine, 2. La Qu…, 3. Le Processus, 4. Le Début de la fin, 5. La 2,333e dimension , 6. Le Décalage

• Paris-Mâcon, Futuropolis, 1987
• La Mutation, L'Association, 1997
• Le Cœur des ombres, L'Association, 1998
• Le Dessin, Delcourt, 2001
• L'Ascension et autres récits, Delcourt, 2005
• Mémoire morte, Delcourt, 2006
• Les Sous-sols du Révolu, Futuropolis, 2006
• La Voiture symétrique, L'Association, 2007
• Dieu en personne, Delcourt, 2009
• 3 ’’, Delcourt, 2011
• Labyrinthum, L'Association, 2014

+ d'infos :

• Le site de Marc-Antoine Mathieu
• Le site de l'atelier Lucie Lom
• Côté interview : sur ActuaBD pour Le Décalage et la série Acquefaques, avec Vincent Henry sur BD Selection, avec Sasha Watson sur Arthur Magazine (en anglais) ou ici (traduit par Théo en français), sur Dieu en personne pour les éditions Delcourt
• À lire aussi, le papier d'Éric Bouchard sur Mémoire morte, publié sur le blog Le Délivré de la Librairie Monet, ett l'analyse d'Adrien Genoudet

Illustrations ©Marc-Antoine Mathieu/Delcourt

Couverture du numéro 11 de la revue Merz

Merz ! Vous avez dit Merz ? Comme c'est étrange… Le mouvement Merz, proche dans l'esprit du dadaïsme et du constructivisme, et où il entre aussi un peu du Bauhaus, a été crée par Kurt Schwitters en 1919. Il repose essentiellement sur la récupération, le détournement et le collage. Le nom provient à l'origine d'un groupement de lettres découpé par Schwitters dans une annonce de la Commerzbank. Il est utilisé pour désigner le tableau Merzbild I, et recouvrera dès lors l'ensemble de la production picturale, poétique et architecturale de l'artiste allemand.

Merzbild I, 1919

Né à Hanovre en 1887, Kurt Schwitters (1887-1948) a étudié la peinture à l'école d'art de sa ville natale, puis à l'académie des beaux-arts de Dresde. Très vite, il se détourne des canons de l'esthétique pour donner libre cours à sa fantaisie. Son dada : collecter dans la rue des détritus qu'il destine à ses collages. Fragments divers et disparates, morceaux de journaux et d'affiches, tickets de bus usagés, bouts de tissus, boutons, fils de fer… Avec Schwitters, le recyclage fait une entrée aussi hasardeuse que fracassante dans le monde de l'art.

Anna Blume, 1919 et Die Kathedrale, 1920

En 1919, Kurt Schwitters publie dans la revue berlinoise Der Sturm le poème collage Anna Blume, où il se joue des mots et de la syntaxe allemande. Le poème annonce l'orientation de l'œuvre à venir, à la manière d'un prélude.

Deux tableaux merz, de 1920 et 1921

En 1920-1922, Schwitters réalise un Miroir-Collage, aujourd'hui conservée au musée d'Art moderne de la ville de Paris. L'œuvre a été encadrée par Tristan Tzara en 1957, qui ne laisse visible que la partie ovale travaillée du cadre du miroir.

Miroir-Collage, vers 1920-1922

Ami de Raoul Hausmann et de Hans Arp, il se rapproche de Théo Van Doesburg et El Lissitsky au début des années 1920, et commence à s'intéresser de très près à la typographie. En janvier 1923, il édite à Hanovre le premier numéro de sa revue Merz, consacré à De Stilj, et crée l'année suivante une agence de publicité du même nom, la Merz Werbezentrale.

Enveloppe, prospectus et publicités pour la Merz Werbezentrale, 1924, 1925, 1926 et 1927

La revue Merz comptera 24 numéros, publiés entre 1923 et 1933, dont trois ne paraissent pas. Kurt Schwitters y énonce ses principes typographiques et préside à l'esthétique globale de la revue, mais la mise en page est l'œuvre du typographe suisse Jan Tschilchold. Le numéro 11 mettra en lumière ce travail sur la typographie.

  Couvertures de huit numéros de la revue Merz

Page 4 du n°1 et page 26 du n°2 de Merz, 1923

Page 38 du n°4, 1923, et page d'abonnement à la revue Merz à la fin du n°8, 1924

Le dernier numéro de la revue, le numéro 24, est consacré à l'UrSonate (Sonate mit Urlauten). Le texte est ici agrémenté d'annotations diverses concernant la construction musicale et les particularités de prononciation et d’énonciation. Des signes destinés à aider un éventuel interprète sont incorporés à la partition, dessinée par Jan Tschilchold à la demande de Schwitters. Si le rythme et la mélodie respectent les règles de la sonate traditionnelle, en quatre mouvements, l'artiste se joue de la typographie et de la phonétique en répétant inlassablement, à la manière d'un collage, la décontraction du poème sonore qu'Hausmann a donné en 1918, "fmsbwtözaüpggiv…".

Raoul Hausmann, fmsbwtözäupggiv, 1918

Un langage totalement libéré de ses normes où règne la lettre même. S'il s'agit de suivre les règles strictes de la sonate, donc, de multiples variations sont possibles, et c'est en fin de compte à l'expressivité, l'imagination, l'inventivité, la créativité du récitant de déborder la partition. La Ursonate est conçue en 1921, achevée en 1932, et enregistrée ;  elle consiste en répétition compulsive de mots sans signification, sur 19 mélodies différentes, et dure 55 minutes. Man Ray a photographié l'auteur la récitant. Le CD de l'UrSonate, réédité en 1990. Ces dernières années, Eberhard Blum et Jaap Blonk ont entrepris l’exercice difficile de sa récitation.

Enregistrement de Schwitters récitant la Ursonate le 5 mai 1932 à Frankfort

En 1927, Schwitters fonde les abstraits de hanovre, avec quatre autres artistes avant-gardistes : Carl Buchheister, Rudof Jahns, Hans Nitzschke, et Friedrich Vordemberge-Gildewart. Il s'agit de transposer les principes de l'abstraction aux arts appliqués et à l'architecture. Un travail que Schwitters a commencé dès 1922 dans son propre atelier, utilisant les rébus de la société industrielle accumulés durant des années pour édifier le célèbre Merzbau, une construction architecturale d'intérieur en bois et plâtre qui comprend un ensemble de colonnes singulières contenant une multitude d'objets, imbriquées et assemblées dans un espace de huit pièces investies par l'artiste. Détruit lors des bombardements anglais sur Hanovre en octobre 1943, le Merzbau est reconstruit à plusieurs reprises par Schwitters partout où il a vécu, d'abord en Norvège où il s'est exilé en 1937 avec son fils Ernst pour fuir le nazisme (le Haus am Bakken de Lysaker, en 1938, détruit par un incendie en 1951, et une construction inachevée à Hjertoya), puis en Angleterre à partir de 1940 lorsque les Allemands envahissent la Norvège (le Merbarn de Elterwater, commencé en 1947, inachevé quand l'artiste meurt à Ambleside en 1948).

Photographie du Merzbau, le gigantesque atelier de Schwitters, par Wilhelm Redemann, 1933

Du Merzbau original, il ne reste que trois photographies prises en 1933 par Wilhelm Redemann. Et en 1981-1983,  Peter Bissegger s'appuie sur l'étude très poussée de ces photos pour reconstruire le Merzbau, avec l'aide des souvenirs d'Ernst Schwitters, qui était âgé de 8 ans avant l'exil. La scène reconstruite sera exposée avant d'intégrer le musée Sprengel de Hanovre. Une copie mobile de la copie de Bissegger sera exposée à Londres en 1988-1989 pour la rétrospective Dada et le constructivisme, avant d'être montée et démontée une vingtaine de fois à travers le monde.
Le centre Georges-Pompidou organise la première rétrospective Schwitters en France en 1994.

Bibliographie séléctive :

Merz, écrits choisis et présentés par Marc Dachy suivi de Schwitters par ses amis. Ursonate, fac-similé de la typographie originale, enregistrement de son interprétation par son auteur (CD). Textes allemands traduits par Marc Dachy et Corinne Graber. Textes anglais traduits par Marc Dachy, éditions Gérard Lebovici, Paris, 1990.
Anna Blume, édition établie par Marc Dachy, traduit de l'allemand par Marc Dachy et Corinne Graber, éditions Ivrea, Paris, 1994, édité avec le CD audio de l'UrSonate.

+ d'infos :
La fondation Schwitters d'Hanovre
Parcourir 8 numéros de la revue Merz et l'édition de 1922 de Memoiren Anna Blumes in Bleie

La collection Schwitters du MoMA

Œuvres ©Kurt Schwitters

Blexbolex a construit au fil du temps un univers en trichromie, tout de silhouettes stylisées et de grands aplats de couleurs. Modelant directement les formes sans passer préalablement par un dessin au trait, Blexbolex fait preuve d'une curiosité graphique qui semble toujours se rapporter de près aux techniques d'impression, et être toujours en éveil.

La guerre et Vitesse, illustrations parues dans la revue Dada, n°141, Le Futurisme, 2008

Illustrations de I know how to cook, Phaidon Press, 2009

Un style très Art Déco, à mi-chemin entre Vladimir Lebedev et les affichistes russes, et les œuvres d'un Jacques Tati. Des silhouettes qui évoquent tantôt la figure de Tintin, tantôt celle de Popeye. Mais en définitive, un style qui a su se démarquer et se singulariser avec bonheur.

In situ, illustration parue dans la revue Dada, n°122, La Photographie, 2006

Illustration parue dans The New York Times

Une forte empreinte de l'esthétique des années 20-30, donc, où modernité rime avec simplicité et universalité. Une forte dimension onirique également. Et comme en clin d'œil, se retrouvent çà et là par les jeux de collage des motifs réitérés d'un travail l'autre.

Illustration parue dans Märkische Allgemeine Zeitung

Réaliser un album en sérigraphie – séparer les couleurs en tons directs – c'est penser la saturation et la surimpression de couleurs et de formes nécessairement simplifiées. De là sans doute naît la grande complicité qui s'établit entre l'artiste et son lecteur.

Illustration parue dans Télérama, 2010

Bernard Granger, né dans le nord de la France, à Douai, en 1966, a passé son enfance en Auvergne, à Aurillac. Après avoir suivi un parcours incertain et chaotique de 1984 à 1989 – d'Angoulême à Angoulême, via Paris (1987) et Berlin (1988) – il sort diplômé de l'école des Beaux-Arts en 1991. Il découvre la sérigraphie dans l'atelier de Jean-François Guilberteau et apprend les techniques de l'édition.

Planche de Woodaddict, auto-édité en 1992 en sérigraphie sur papier kraft

Deux albums auto-édités et le n°4 de la revue Le Dernier Cri, 1993

Bernard Granger fabrique son premier livre en 1992 : XXX, imprimé en sérigraphie à 50 exemplaires, vendus en un mois à la librairie Un Regard moderne dans le Marais. C'est à partir du deuxième, édité la même année, qu'il prend le nom de Blexbolex, un nom dynamique, simple, clair et identifiable, à l'image de ce que sera sa production.

Coffert et livrets de la série Ubu-Ru, 1994

Encore deux livres auto-édités en 1993, puis Blexbolex rejoint l'équipe du Dernier Cri : il participe à la revue éponyme, publie ses premiers livres de la série Ubu-Ru, puis OXO, en 1995 : des visages pop à (dé)composer up à l'aide de 44 volets indépendants, le tout sérigraphié et relié à la main.

Oxo, 1995

En 1996, il donne ses comics Steacknife au Chacal Puant, puis auto-édite une dernière série, Whimpy, en 1998.

Sa rencontre avec Jean-Louis Gauthey à l'été 1996 est décisive. Il accepte de le rejoindre chez Cornélius et, de sérigraphe, devient rapidement directeur littéraire, lançant les collections Lucette et Louise, dans laquelle il publie son album L'enclos en 2001.

Il commence véritablement sa carrière d'illustrateur jeunesse en 2001, quand il publie avec Jean-Luc Fromental Rogaton-Man au Seuil Jeunesse. Il travaille bientôt avec Thierry Magnier, Les Requins Marteaux, Albin Michel Jeunesse…

Instant Crap 1, 2 et 3, CBO, 2004

Bim de la Jungle, Thierry Magnier, 2004

En octobre 2006, son album L'Œil privé paraît aux Requins Marteaux, bientôt suivi de La longue-vue chez Thierry Magnier, en 2007, et du très beau Destination Abécédéria, toujours aux Requins, en 2008.

P comme… Panique, L'Édune, 2008, et illustration de La Fêlure, Ouvroir Humoir, 2008

En janvier 2008, il signe le portfolio anniversaire des quinze ans de l'agence Illustrissimo, dans laquelle il est entré en 2007 : 8 planches qui retracent le parcours d'une image dans la chaîne graphique publicitaire, de l'illustrateur au client, et une sérigraphie panoramique (120 exemplaires).

L'impression a été réalisé dans l'atelier de Valérie Vernet avant de rejoindre les tables de Philippe le Libraire, organisateur de l'événement. Un second tirage de 500 exemplaires, dont 250 commercialisés, a été réalisé chez Graphitec peu après, avec des couleurs différentes, en format A5.

lllustration extraite de L'imagier des gens, Albin Michel Jeunesse, 2008

En 2009, c'est la consécration internationale : choisi parmi plus de 700 livres, son Imagier des gens (Albin Michel Jeunesse) reçoit le prix du plus beau livre du monde (Worldwide Best Book Design Award), descerné par la Goldene Letter à la Foire du livre de Leipzig . L'album se distingue par son impression offset en trichromie – bleu, jaune, rouge – trois tons directs qui, se superposant, en donnent sept. Il aura fallu près d'une année de travail à Blexbolex pour associer un mot à une image, en pensant la double page, et parvenir à créer une dynamique sur plus 200 pages.

Baignade , illustrations extraites de l'album Saisons, Albin Michel Jeunesse, 2009

Il récidive l'année suivante avec Saisons, un album commandé par le Conseil régional du Val-de-Marne pour être offert aux nouveaux-nés cru 2010.

Dans la marge, Arts Factory, 2009

Entre-temps, un cahier Blexbolex paraît dans la collection Dans la marge chez Arts Factory : 34 portraits « fétiches » extraits de ses carnets et retravaillées après collage – un livre effectivement en marge de sa production.

Blexbolex a collaboré à de nombreuses revues, parmi lesquelles Le Dernier Cri (n°4 et 8, 1993 et 1994), OBCN (n°3 et 4, CBO, 1997 et 1999), Fusée (n°8, 9 et 11, Automne 67), Ferraille (n°6 en 1999, puis n°21 à 27, en 2006, Les Requins Marteaux), Comix 2000, Le Muscle Carabine (UDA, 2007, 2008, 2009), Dada (2006 et 2008). 

Couvertures et pages intérieures du n°27 de la revue Ferraille, 2006

Illustrations pour un article sur la B42 paru dans le hors-série de la revue XXI, Histoires de Livres, 2009

Il a participé aux deux premiers numéros de la revue londonienne Nobrow d'Alex Spiro et Sam Arthur, tirée à 3000 exemplaires, signant la couverture du second, et a publié chez Nobrow Press deux livres, Dog Crime et une version anglaise d'Abecederia.

Une curiosité :  Reborn Again, 48 masques dits « machés par la couleur », réalisé avec Stefanie Schilling et paru début 2010 chez United Dead Artists (UDA).

Blexbolex a publié à ce jour près d’une trentaine d’ouvrages, avec, toujours, le même soucis de qualité.
Il vit et travaille actuellement à Berlin.

Illustration parue dans The New York Times

Bibliographie sélective :
 
Les débuts de Blexbolex et Blexbolex sérigraphe :
Cahier de Jef / auto-édité, 1992, 16 pages, 35 ex.
The Woodaddict / auto-édité, 1992, 20 pages, 50 ex. (sérigraphie sur kraft)
Legs Box / auto-édité, 1993, 26 pages, 50 ex. (photocopie)
Losts Tigers Are Falling Appart / auto-édité, 1993, 26 pages, 50 ex. (photocopie et linogravure sur papier calque)
Super Shitty Book / Hanga Roa, coll. Microbe, 1994, 12 pages, 60 ex.
Ubu-Ru n°1 à 5 / Le Dernier Cri, coll. Corps Étrangers, 1994, coffret de 128 pages, 15 ex.
OXO / Le Dernier Cri, coll. Corps Étrangers, 1995, 48 pages, 100 ex.
Steacknife n°1 et 2 / Chacal Puant, 1996 et 1997, 16 pages chacun
Whimpy / auto-édité, 1998, 8 pages
Mr Code / CBO, coll. Flûte, 2000, 12 pages, 120 ex.
Who's Who / CBO, coll. 30x40, 2000, 16 pages, 150 ex.
Instant Crap n°1, 2 et 3 / CBO, 2004-2005, 14 pages chacun, 150 ex.
Dats Fun / Le 9e Monde, 2006, 24 pages, 120 ex.
La Fêlure / Ouvroir Humoir, 2008, 24 images, 30 pages, 1000 ex.
 

Blexbolex illustrateur :
Disaster Boy / Le Dernier Cri, coll. Bikro, 1999, 32 pages, 450 ex.
Rogaton Man, avec Jean-Luc Fromental / Seuil Jeunesse, 2001
L'Enclos / Cornélius, coll. Louise, 2001
Bim de la Jungle / Thierry Magnier, coll. Tête de lard, 2004, 24 pages
L'Œil privé / Les Requins Marteaux, coll. Inox, 2006
La Longue-vue / Thierry Magnier, coll. Petite Poche BD, 2007, 48 pages
Peindre / Thierry Magnier, coll. Petite Poche BD, 2007, 48 pages
Spleen / Fotokino, 2008
Destination Abecederia / Les Requins Marteaux, 2008, 32 pages
P, album de L'Abécédaire / L'Édune, 2008, 48 pages
L'imagier des Gens / Albin Michel Jeunesse, 2008, 208 pages
Saisons / Albin Michel Jeunesse, 2009, 176 pages
Blexbolex, collection Dans La marge / Arts Factory, 2009
I Know How To Cook, text by Ginette Mathiot / Phaidon Press, 2009

+ d'infos :
Portfolio Blexbolex sur le site de l'agence Illustrissimo.
La cinquantaine de publications en revues avec visuels des couvertures à voir sur Graphzines
En vente chez Arts Factory, des digigraphies de L'Œil privé, éditions limitées à 10 exemplaires signés et numérotés (40 x 50 cm, 200 € encadrées)

Images et illustrations ©Blexbolex et éditeurs

En France, nous l'avons découvert sous le nom de Silvestre, quand les éditions Amok ont fait paraître Relations (1995), puis Simple (2000), deux albums marginaux, dits minimalistes, dans lesquels l'auteur s'interroge sur la création et la narration en bande dessinée, en démontant les ressorts et artifices.

Couvertures françaises de la réédition de Relations (Amok, 1999) et de l'édition originale de Simple (Amok, 2000)

Les personnages découvrent avec amertume l'ironie de leur nature et de leur sort, les limites liées à leur fonction née de l'encre et du papier.

Planches extraites de Relations

Puis le double fictionnel de l'auteur poursuit son travail de sape, s'accrochant fermement en bas à droite de chaque case de l'album Simple, pour dénoncer l'hypocrisie, refuser de participer au mensonge et stopper le récit, jusqu'à devenir pure fiction.

Planches extraites de Simple

Or ce travail, qui a marqué les esprits à juste titre, fait un peu figure de parenthèse au sein de l'œuvre prolifique et majeure d'un des maîtres du dessin en noir et blanc espagnol.

Au moment, donc, où on découvre le travail de Silvestre, Federico Del Barrio Jiménez est déjà un dessinateur accompli. Né à Madrid en 1957, il publie ses premiers dessins en 1980 dans la revue française Pilote (Jardín), puis dans les revues espagnoles Nueva Frontera, Tótem, Bumerang, Rambla, Cimoc (Tierra S.A., en 1982, avec l'écrivain Pérez Navarro).

Planche de Tierra S.A., série publiée dans la revue Cimoc en 1982

À partir de 1984, il participe activement à la movida, et devient un collaborateur régulier de la célèbre revue Madriz, dirigée par Felipe Hernandez Cava. Il y publie jusqu'en 1987, avec Elisa Gálvez au scénario, une série de courtes histoires qui marquent une véritable rupture avec les conventions du genre.

Planche de Del Barrio et Gálvez publiée dans la revue Madriz

Ses premiers travaux sont réunis dans un album de compilation, La orilla, en 1985.

Planche de La orilla, Del Barrio et Gálvez, Sombras, 1985

Les  Cahiers de la Bande Dessinée lui consacrent en France leur numéro 75 en 1987. L'année suivante, il commence à travailler en tant que responsable des illustrations pour la revue espagnole Medios Revueltos et publie avec Cava le premier tome de la trilogie d'Amoros, Firmado Mister Foo. Le second album de compilation de ses premiers travaux, Léon Doderlín, paraît en 1991.

Planche de Léon Doderlín, Casset, 1991

Planche de Del Barrio parue dans Los derechos del niño, collectif, Ikusager, 1991

Parallèlement à son travail de dessinateur, Del Barrio s'intéresse de près au théâtre. Il écrit en 1993 son premier texte, El dia que volo Renata, pour une compagnie madrilène de théâtre alternatif, El Canto de la Cabra, créée en 1992 par Elisa Gálvez, avec qui il a longtemps collaboré à la revue Madriz. Une année prolifique qui voit paraître quatre albums de Del Barrio en collaboration avec Felipe Hernandez Cava, qui lui commande le deuxième volet d'une trilogie sur le conquistador espagnol Lope de Aguirre. Le premier volet avait été dessiné par Enrique Breccia, le fils du grand Alberto Breccia, en 1989. Le dessin en couleur de Del Barrio se révèle époustouflant, digne du meilleur de Breccia en la matière.

Planches extraites de Lope de Aguirre. La Conjura, 1993

Les trois autres albums sont les trois derniers volets de la série Las Memorias de Amorós publiés, avec Felipe Hernandez Cava au scénario, par Ikusager. D'un style très différent, qui fait la part belle à la précision du trait, aux perspectives et jeux de lumière du noir et blanc, Del Barrio excelle. Le premier volet,  Firmado Mister Foo, avait été publié en 1988.

Planches extraites de Signé Mister Foo, Amok, 2000

La mahistrale trilogie historico-policière Les Mémoires d'Amoros – Signé Mister Foo, La Lumière d'un siècle mort, Les Ailes calmes – est publié chez Amok puis Frémok entre 2000 et 2004. Avec le personnage d'Angel Amoros – double du rédacteur en chef du journal anarchiste La Tierra Eduardo de Guzman, qui fut arrêté, emprisonné et condamné à la peine de mort au moment de l'arrivée au pouvoir de Franco, et qui se tourna vers la littérature policière après sa libération – les deux compères s'attaquent à la période trouble de l'Espagne qui précède la fameuse guerre de 1936, au passé colonial du pays qui a vendu les Philippines en 1898 aux Américains, à son histoire mouvementée, de la guerre d'Afrique à l'inévitable guerre civile.

Planches extraites de La Lumière d'un siècle mort, Amok, 2001

Planches extraites de La Lumière d'un siècle mort, Frémok, 2004

On songe au travail entrepris par Alberto Breccia et Juan Sasturain sur l'histoire de l'Argentine et la dictature des généraux dans Perramus.
 
En 1996, Federico Del Barrio devient codirecteur de la revue El Ojo Clínico. Deux ans plus tard, il publie quotidiennement sous le pseudonyme de Cain, toujours avec Cava, des vignettes humoristiques dans le journal La Rázon.
 
Le Piège, paru en 2008 chez Actes Sud, est un roman graphique mêlant les réflexions sur la bande dessinée comme médium artistique et sur le destin de l'Espagne durant la période franquiste, impliquant la responsabilité morale de l'artiste dans la société.
 
Son dernier travail, El hombre de arena, adaptation par Mai Prol d'un conte d'Hoffman, a été publié cette année, avec des dessins en noir et blanc en pleine page. On reconnaît là encore un dessins très proche du Breccia de Dracula.

Planches extraites de El hombre de arena, De Ponent, 2010

Pour l'exposition Cent pour cent bande dessinée, présentée en 2010 au festival d'Angoulême et reprise à la Bibliothèque Forney (jusqu'au 8 janvier 2011), Del Barrio a travaillé à partir d'une planche de… Breccia.
 
 
Bibliographie :
 
La orilla / Sombras, 1985 (compilation des histoires publiées dans Madriz avec Elisa Gálvez)
Léon Doderlín / Casset, 1991 (compilation des histoires écrites par lui-même ou avec Elisa Gálvez dans Madriz et Medios Revueltos)
Relations (sous le pseudonyme de Silvestre) / Amok, Octave, 1995
Simple (sous le pseudonyme de Silvestre) / Amok, Octave, 1999
El hombre de arena, scénario de Mai Prol, adaptation d'un conte de Hoffman / De Ponent, 2010
 
Avec Felipe Hernandez Cava au scénario :
Firmado Mister Foo, 1988 / Signé Mister Foo, Frémok, Octave, 2000
Lope de Aguirre. La Conjura, 1993 (deuxième volet d'une trilogie scénarisée par Cava, dont le premier, La Aventura, a été dessiné par Enrique Breccia en 1989, et le troisième, La Expiación, par Ricard Castells en 1998)
La luz de un siglo muerto / Ikusager, 1993 / La Lumière d'un siècle mort, Frémok, Octave, 2001
Las alas calma / Ikusager, 1993 / Les Ailes calmes, Frémok, Octave, 2004
Ars Profetica / Ikusager, 1993
El artefacto perverso / Planeta, 1996, primé au salon de Barcelone de 1997 / Le Piège, Actes Sud, L'An 2, 2008
Caín / Nausicaa, 2007 (compilation des vignettes humoristiques parues dans La Rázon)
 
Écrits pour le théâtre (El Canto de la Cabra) :
El dia que volo Renata, 1993
Viaje al Tartaro, 1995
Caín, 1998
¿Qué? Nada, 2000
 
Collectifs :
Los derechos del niño / Ikusager, 1991
Pop Español / Casset, 1991
L'Argent roi, 1994
11 M. Once miradas, 2005
Dibujando el Transcantábrico, 2009
 
 

+ d'infos :
Un bon papier sur Federico Del Barrio, à lire sur le blog d'Emmanuel Andres, Deskartes Mil (en espagnol) 
Sur la trilogie Lope de Aguirre de Felipe Hernandez Cava, dont les volets ont été dessinés par trois dessinateurs différents, lire l'étude de Jan Baetens, « Une “autre” histoire. Les leçons de la forme dans la bande dessinée historique espagnole »
Sur la trilogie Les Mémoires d'Amaros, voir le site des éditions Frémok
 
 
Illustrations ©Silvestre / Federico Del Barrio et éditeurs

2 février 2010

Depuis 2006, Garance Doré nous confie ses états d'âme fashion avec une régularité exemplaire, en postant illustrations, photos, et textes légers (mais attention, pas idiots) non dénués d'humour et d'un certain sens de l'autodérision.

Le premier dessin posté sur son blog en 2006, et un autre, publié en janvier 2007. On part de loin...

Au départ illustratrice pour Vogue, ses dessins frais, drôles et très stylisés sont facilement reconnaissables. Elle a su développer (et on peut voir l'évolution de ses dessins sur son blog) une touche bien à elle, là où les illustrations des magazines féminins se ressemblent bien souvent ou ne sont que les pâles copies de ce que d'autres ont fait mieux. Les dessins "girly" de Soledad Bravi, Pénélope Bagieu ou encore Margaux Mottin... font bien triste mine aux côtés des silhouettes élancées des parisiennes de Kiraz.

18 février et 21 mars 2008 – un style qui n'est pas sans rappeler les croquis des stylistes des 50's-60's

Bref, Garance Doré, ne trouvant pas autant de liberté d'expression qu'elle l'aurait souhaité, commence son blog en juin 2006. Rapidement, ses dessins et son ton enlevé associés à un jargon qui lui est propre, dans la lignée de celui de Fonelle, séduisent de plus en plus de lecteurs.

2 février 2008 – ses essais sont au départ assez statiques et posés, comme la plupart des blogs photos street style

À partir de 2007, Garance s'essaie petit à petit à la photo street style, devenant rapidement une des références les plus en vue comme photographe de looks de la rue, et mêlant désormais illustrations et photos dans ses articles.

18 septembre et 15 juillet 2008

29 juillet et 12 septembre 2008

19 mai 2008

Les illustrations sont bonnes et inédites, les photos sont chiadées mais spontanées. La recette fait mouche et on la sent gravir les échelons au fur et à mesure qu'elle poste ses articles depuis divers endroits du monde. Garance réalise son premier shooting, pour Elle, le 30 mars 2009 et les enchaîne maintenant, alliant stylisme et consulting pour les grandes maisons.

9 juin et 18 mai 2009
Garance met en scène ses photos et illustrations et n'hésite pas à ajouter du texte, à la manière d'un carnet de bord

Beau parcours, en seulement quelques années. Preuve qu'un site perso, ou un blog, peuvent grandement aider à faire connaître son talent et à trouver ses lecteurs. Elle ne poste presque pas de photos d'elle, contrairement aux autres blogueurs, et pourtant, en moins de temps qu'il n'en faut à un sac pour devenir it-bag, Garance Doré devient la plus connue des blogueuses françaises.

26 septembre 2008

22 février 2008 et 9 septembre 2009

14 juin 2010

Elle s'est récemment mise à la vidéo, mais là, en revanche, ce n'est vraiment pas ce qu'elle fait de mieux. Ses petits montages sont un témoignage ludique, mais ils ne sont pas franchement très bien faits, ni très originaux. On préfère quand son œil de fashion-addict repère une silhouette ou ses précieux détails.

26 août 2010

19 janvier 2010

19 février et 12 novembre 2009

28 septembre 2009

Pitti Uomo, 18 janvier 2010

Garance n'est pas parfaite, elle ressemble à une jeune parisienne dans l'air du temps, bien dans ses pompes et n'en revenant pas de s'amuser autant à travailler. Elle est gaffeuse, aime bien les anecdotes, les belles et les bonnes choses. Ses détracteurs diront qu'elle est bobo et futile, mais lorsqu'on apprécie la mode, les belles silhouettes, Garance Doré c'est Vogue sans les pubs, sans les articles bidons et avec un zeste de fraîcheur en plus ! En revanche, soyez indulgents, elle a changé récemment le design de son site et certaines photos sont pour l'instant un peu pixellisées, sans doute à cause du changement de format.

21 août 2009 

6 février et 30 novembre 2009 – du style, même sous la pluie

14 septembre 2009 – Garance Doré en pleine action, à droite 

 La plupart des blogueurs se prennent plutôt au sérieux, manquent de recul et ne sont pas forcément très pertinents. Leur influence dans ce tout petit monde où beaucoup de choses se chuchotent se fait sentir depuis ces trois dernières années, mais la consécration est arrivée l'année dernière avec l'invitation des plus connus aux (parfois premiers) rangs des défilés, faisant quelque peu grincer des dents les rédactrices modes cramponnées depuis belle lurette à leur place de choix. Nombreux sont ceux qui ont cédé aux sirènes de la gloire et dont le blog est devenu un écrin à publi-communiqués et à billets sponsorisés. Garance Doré a certes signé avec une régie publicitaire, mais la zone de pub est clairement délimitée, et non cachée insidieusement dans un de ses articles.

Pour Jil Sander, 10 septembre 2010

Diane Kruger, 15 mai 2010 ; Alexa Chung, 23 février 2009

29 juin 2010

Elle réussit pour l'instant à garder la tête relativement froide et surtout ce ton léger et pertinent qui l'a fait connaitre. Bien sûr, on voit son pouvoir d'achat évoluer au fil du blog et ses billets parlent de plus en plus du monde du luxe et des personnes qui y font la pluie et le beau temps, puisqu'elle les côtoie maintenant de près – mais tant qu'elle garde ce ton enjoué, ses dessins et ses photos, témoins d'une époque et d'un monde futile mais drôle et touchant, nous continuerons de l'apprécier !

Une épicurienne dans le monde impitoyable de la mode ? Bon vent !

7 juin 2010

+ d'info :
Le blog de garance Doré – Son tout premier blog est encore ICI, mais il n'y a plus beaucoup d'illustrations
Une fille un style, rubrique de Garance Doré chez Vogue
La quasi-totalité des articles qui lui ont été consacrés est disponible dans la rubrique "Presse" de son blog

Garance Doré, par Nil Erturk – ©Nil Erturk

Photos et illustrations ©Garance Doré, sauf mentions contraires